A Virgem e o Menino com Santa Ana
A Virgem e o Menino com Santa Ana, óleo sobre madeira, é obra de Leonardo da Vinci, pintada em Milão entre 1508 e 1513. Leonardo nunca finalizou este painel. Leonardo havia conquistado total maestria ao modelar o rosto humano. A Virgem e Santa Ana nesta pintura têm as mesmas características que as mulheres que ele já havia pintado. Os rostos são calmos e serenos. A paisagem é parecida com a da Mona Lisa.
Como é frequentemente nas pinturas de Leonardo da Vinci, não há certezas quanto à interpretação, à génese e à encomenda desta pintura. A génese da obra é particularmente longa. Um primeiro desenho, A Virgem, o Menino Jesus com Santa Ana e São João Baptista (imagem ao lado) representa a Santa Ana Trinitária, tendo além disso, São João Baptista ao lado de Jesus. A datação deste desenho é incerta, entre 1499 e 1510, podendo a encomenda ter sido do rei da França Louis XII ou da Ordem dos Servos de Maria da Basílica da Santíssima Annunziata de Florença. Um segundo desenho que se perdeu, datando de 1501, foi descrito por um dos discípulos de Leonardo. Conhecem-se, no total, cerca de quinze desenhos preparatórios sobre as cabeças das personagens. Leonardo falou sobre estas experiências de «componimento inculto» ("esboço sem forma"). Existem também várias cópias contemporâneas da pintura feitas na sua oficina e que permitem entender a evolução desta. É possível que a obra tenha permanecido inacabada, estando a paisagem menos "acabada" do que as figuras (o que foi confirmado pelo restauro em 2010 que revelou várias áreas inacabadas), mas esta "incompletude" pode ter sido voluntária.
Imagem: Anonymous (Lesser Poland)Unknown author · CC0 · Openverse
O tema da pintura é o de "Santa Ana trinitária", ou em se juntam Santa Ana, a Virgem Maria e o Menino Jesus. De acordo com a tradição, Santa Ana morreu antes do nascimento de Jesus sendo o tema mais simbólico, reunindo três gerações. Este tema pictórico aparece no século XIII e atinge o seu auge no século XV. O cordeiro simboliza o sacrifício, e Jesus estando a segurá-lo significa que aceita o seu destino; Maria, como mãe, quer tomá-lo em seus braços para o afastar desse destino de sofrimento. Os primeiros esboços da obra mostram que Santa Ana tenta suster o gesto da Virgem em relação ao filho. A pintura como existe acabou por mostrar, pelo contrário, uma atitude contida de Santa Ana, aceitando simbolicamente o destino do seu neto.
Imagem: Anonymous (Lesser Poland)Unknown author · CC0 · Openverse
Na pintura está um grupo de quatro personagens em tamanho natural formando uma pirâmide num movimento em espiral, numa composição geométrica dinâmica cara a da Vinci. No centro, a Virgem está sentada sobre as pernas de sua mãe, Santa Ana, e estende os braços para o Menino Jesus que a seus pés, abraça e prende com os braços e pernas um pequeno cordeiro e parecendo escapar das mãos de sua mãe. As cabeças das quatro figuras estão alinhadas numa diagonal inclinada para a direita, três diferentes sfumati moldando os rostos das três pessoas. Os pés deles estão na água, talvez evocando o batismo. Jogos de olhares entre os protagonistas da cena: Ana olha para Maria que olha para Jesus, que a olha a ela, enquanto o cordeiro olha para ele. Se Santa Ana está numa posição estática, hierática, sentada, firmando-se nas pernas, com o braço apoiado no quadril, Maria tem uma pose mais dinâmica, estendida em direção a Jesus, amparando-o com as mãos.
