Cinema dos Estados Unidos
O cinema dos Estados Unidos, muitas vezes chamado metonimamente de Hollywood, teve um grande efeito na indústria cinematográfica em geral desde o início do século XX. O estilo dominante do cinema americano é o cinema clássico de Hollywood, que se desenvolveu de 1917 a 1960 e caracteriza a maioria dos filmes feitos até hoje. Enquanto os franceses Auguste e Louis Lumière são geralmente creditados com o nascimento do cinema moderno, o cinema americano logo veio a ser uma força dominante na indústria como surgiu. Produz o maior número total de filmes de qualquer cinema nacional de língua única, com mais de 700 filmes em inglês lançados em média todos os anos. Apesar dos cinemas nacionais do Reino Unido (299), Canadá (206), Austrália e Nova Zelândia também produzirem filmes na mesma língua, eles não são considerados parte do sistema de Hollywood. Hollywood também foi considerado um cinema transnacional. A Hollywood clássica produziu versões em vários idiomas de alguns títulos, muitas vezes em espanhol ou francês. Atualmente há a produção contemporânea de offshores de Hollywood para o Canadá, Austrália e Nova Zelândia.
Origens e Fort Lee
A primeira instância registrada de fotografias capturando e reproduzindo movimentos foi uma série de fotografias de um cavalo correndo por Eadweard Muybridge, que ele tirou em Palo Alto, Califórnia, usando um conjunto de câmeras fotográficas colocadas em fila. As realizações de Muybridge levaram os inventores de todos os lugares a tentar criar dispositivos semelhantes. Nos Estados Unidos, Thomas Edison foi um dos primeiros a produzir um aparelho desse tipo, o cinetoscópio. A história do cinema nos Estados Unidos pode traçar suas raízes até a Costa Leste, onde, ao mesmo tempo, Fort Lee, Nova Jersey, era a capital do cinema americano. A indústria começou no final do século XIX com a construção de "Black Maria", de Thomas Edison, o primeiro estúdio de cinema em West Orange, Nova Jersey. As cidades e vilas no rio Hudson e Hudson Palisades ofereceram terra a um custo consideravelmente menor do que a cidade de Nova York do outro lado do rio e se beneficiaram enormemente como resultado do crescimento fenomenal da indústria cinematográfica na virada do século XX.
Ascensão de Hollywood
No início de 1910, o diretor DW Griffith foi enviado pela Biograph Company para a costa oeste com sua tropa de atores, composta pelos atores Blanche Sweet, Lillian Gish, Mary Pickford, Lionel Barrymore e outros. Eles começaram a filmar em um terreno baldio perto da Georgia Street, no centro de Los Angeles. Enquanto esteve lá, a empresa decidiu explorar novos territórios, viajando várias milhas ao norte de Hollywood, uma pequena vila que era amigável e gostava da companhia cinematográfica que estava filmando lá. Griffith, em seguida, filmou o primeiro filme já filmado em Hollywood, na antiga Califórnia, um melodrama biográfico sobre a Califórnia no século XIX, quando pertencia ao México. Griffith ficou lá por meses e fez vários filmes antes de voltar para Nova York. Depois de ouvir sobre o sucesso de Griffith em Hollywood, em 1913, muitos cineastas se dirigiram para o oeste para evitar as taxas impostas por Thomas Edison, que possuía patentes no processo de criação de filmes. Nestor Studios de Bayonne, Nova Jersey, construiu o primeiro estúdio em Hollywood em 1911. Nestor Studios, de propriedade de David e William Horsley, mais tarde se fundiu com a Universal Studios; e a outra empresa de William Horsley, Hollywood Film Laboratory, é hoje a mais antiga empresa existente em Hollywood, agora chamada de Hollywood Digital Laboratory. O clima mais hospitaleiro e rentável da Califórnia levou à eventual mudança de praticamente todo o cinema para a costa oeste dos anos 1930. Na época, Thomas Edison possuía quase todas as patentes relevantes para a produção cinematográfica e os produtores de filmes da Costa Leste agindo independentemente da Motion Picture Patents Company de Edison eram frequentemente processados ou intimados por Edison e seus agentes, enquanto cineastas trabalhando na Costa Oeste podiam trabalhar independentemente do controle de Edison.
Cinema Clássico de Hollywood e a Era Dourada de Hollywood (1917-1960)
O cinema clássico de Hollywood é definido como um estilo técnico e narrativo característico do cinema de 1917 a 1960. Durante a Era de Ouro de Hollywood, que durou do fim da era silenciosa do cinema americano no final dos anos 1920 até o início dos anos 1960, milhares de filmes foram emitidos a partir dos estúdios de Hollywood. O início da Idade de Ouro foi indiscutivelmente quando The Jazz Singer foi lançado em 1927, encerrando a era do cinema mudo e aumentando os lucros de bilheteria para filmes, à medida que o som era introduzido nos filmes de longa-metragem. A maioria das fotos de Hollywood aderiram de perto a uma fórmula ocidental de comédia, musicais, desenhos animado, filme biográfico (imagem biográfica) e as mesmas equipes criativas, muitas vezes trabalhou em filmes feitos pelo mesmo estúdio. Por exemplo, Cedric Gibbons e Herbert Stothart sempre trabalharam em filmes da MGM, Alfred Newman trabalhou na 20th Century Fox por vinte anos, os filmes de Cecil B. DeMille foram quase todos feitos na Paramount, e os filmes do diretor Henry King foram feitos principalmente para a 20th Century Fox. Por exemplo, To Have and Have Not (1944) é famoso não só pelo primeiro par de atores Humphrey Bogart (1899-1957) e Lauren Bacall (1924-2014), mas também por ter sido escrito por dois futuros vencedores do Prêmio Nobel: Ernest Hemingway (1899-1961), o autor do romance em que o roteiro foi nominalmente baseado, e William Faulkner (1897-1962), que trabalhou na adaptação da tela.
Declínio do sistema de estúdio (final da década de 1940)
Em 1938, Snow White e Seven Dwarfs, de Walt Disney, foi lançado durante uma série de filmes sem brilho dos grandes estúdios e rapidamente se tornou o filme de maior bilheteria lançado até aquele momento. Embaraçosamente para os estúdios, foi um filme de animação produzido de forma independente que não apresentava nenhuma estrela empregada em estúdio. O procurador-geral assistente Thurman Arnold, um conhecido "trust buster" do governo Roosevelt, aproveitou a oportunidade para iniciar um processo contra os oito maiores estúdios de Hollywood em julho de 1938 por violações da Lei Sherman Anti-Trust. O processo federal resultou em cinco dos oito estúdios (os "Big Five": Warner Bros, MGM, Fox, RKO e Paramount) chegando a um acordo com Arnold em outubro de 1940 e assinando um decreto de consentimento concordando em, dentro de três anos:
Novo Hollywood e cinema pós-clássico (anos 1960-1980)
Cinema pós-clássico é o termo usado para descrever os métodos de mudança de narrativa na Nova Hollywood. Argumentou-se que novas abordagens de dramatização e caracterização se baseavam nas expectativas da audiência adquiridas no período clássico: a cronologia pode ser embaralhada, os enredos podem apresentar " finais torcidos ", e as linhas entre o antagonista e o protagonista podem ficar embaçadas. As raízes da narrativa pós-clássica podem ser vistas nos filmes; Rebel Without a Cause (1955), e no Psycho de Hitchcock. 1959, marca a estreia de Plan 9 from Outer Space, clássico do cinema "trash" e, considerado o "pior filme já feito". O cineasta Ed Wood, diretor do longa, é considerado o "pior diretor da história".
Cinema moderno
Os cineastas da década de 1990 tiveram acesso a inovações tecnológicas, políticas e econômicas que não estavam disponíveis nas décadas anteriores. Dick Tracy (1990) tornou-se o primeiro longa-metragem de 35 mm com uma trilha sonora digital. Batman Returns (1992) foi o primeiro filme a usar o som estéreo de seis canais Dolby Digital, que desde então se tornou o padrão da indústria. Computação gráfica ou computação gráfica avançaram a um ponto em que Jurassic Park foi capaz de usar as técnicas para criar animais de aparência realista. The Phantom Menance (1999) tornou-se o primeiro filme que será filmado inteiramente em digital. Até mesmo o Blair Witch Project (1999), um filme de terror independente de baixo orçamento de Eduardo Sanchez e Daniel Myrick, foi um enorme sucesso financeiro. Filmado em um orçamento de apenas US$ 35 000, sem grandes estrelas ou efeitos especiais, o filme arrecadou US$ 248 milhões com o uso de modernas técnicas de marketing e promoção online. Embora não seja da escala do prequel de US$ 1 bilhão de George Lucas para a Trilogia Star Wars, The Blair Witch Project ganhou a distinção de ser o filme mais lucrativo de todos os tempos, em termos de porcentagem bruta.
As mulheres são estatisticamente sub-representadas em posições criativas no centro da indústria cinematográfica dos EUA, Hollywood. Esta sub-representação tem sido chamada de "Celluloid ceiling". Em 2013, os atores mais bem pagos ganharam duas vezes e meia mais dinheiro do que as atrizes mais bem pagas". O Relatório do Celluloid ceiling de 2013 conduzido pelo Centro para o Estudo de Mulheres em Televisão e Cinema na San Diego State University reuniu uma lista de estatísticas coletadas de "2 813 pessoas empregadas pelos 250 principais filmes de arrecadação doméstica de 2012.": Um artigo do New York Times afirmou que apenas 15% dos principais filmes em 2013 tinham mulheres como protagonistas. O autor do estudo observou que "A porcentagem de papéis que falam mulheres não aumentou muito desde a década de 1940, quando eles giravam em torno de 25% a 28%". "Desde 1998, a representação das mulheres nos papéis de bastidores, além da direção, subiu apenas 1%. As mulheres dirigiram o mesmo percentual dos 250 filmes de maior bilheteria em 2012 (9%) do que em 1998.".
